艺术家杨伯都：从美术馆到暮色
杨伯都 在美术馆 2022 12:08
2022年，布面油画，200 × 150 厘米，图片由艺术家及MDC画廊提供
MASSIMODECARLO画廊北京空间于2022年12月9日呈现艺术家杨伯都的最新个展《暮色》。此次展览呈现了杨伯都最新的六幅重要作品，主题包括从《在美术馆》绘画系列延伸出来对纯粹空间的展现，到面向美术馆与室外黄昏交织的想象，并在《暮色》中欣然走向自然。
(资料图片仅供参考)
杨伯都
1986年出生于中国天津，2008年毕业于天津美术学院，2012年获得宾夕法尼亚美术学院硕士学位，现工作生活于北京。
杨伯都的作品被形容为在精神层面上游离的“艺术景观”。她笔下的当代艺术在充满刺激的同时却问题重重: 观赏画作是个隐私的过程，艺术家却将此经验挪移到全然公共的空间，将观众传送到孤寂的环境中。在她的创作中，许多作品都聚焦在博物馆或画廊的空间，将这个抽象的、空旷的、有些理想化的空间既作为人类活动的舞台，又是对其缺失的庆祝。
在过去的几年里，杨伯都一直在观察这些有着均匀光线，被戏剧化构造而成的“建筑瞬间”，并以此作为其个人的观察方式和最终的绘画元素基础。她的创作就发生在这神秘空间之中，在私人与公共，创造与凝视，以及观看与被观看之间游走。
“我积累多年的两个题材，就是在描述‘外面’和‘里面’。‘外面’我就把它命名‘黄昏’，你可以叫它‘暮色’，里面就是‘美术馆’。‘美术馆’系列在讲一个问题，当你身处在环境当中，环境是如何去影响你的观看的。”
艺术家说，“空间跟人一样，有它的灵魂和气息。空间是人内在的一面镜子，人对空间的所有选择是自己内心的投射。”
这么多年，杨伯都像装修工人一样，不厌其烦地研究墙面和地面，它们已经构成了一个世界，其实那是艺术家对意识的描绘。
杨伯都理想中完美空间是没有尽头的，层层叠叠，嵌着很多不同功能，伴随着她的脚步缓缓展开。那是她从小到大的梦境里经常会出现的延绵不断的房间。
“不管是看人还是看画，都是我们在同自己的意识相处。当时你在所处的时间、地点、观看的环境和场域，脑子里面在思考什么内容，决定你最终看到的是什么。对空间的感受也是如此。”
杨伯都 在美术馆 2022 3:05
2022年，布面油画200×150厘米，图片由艺术家及MDC画廊提供
Q-北京青年周刊
A-杨伯都
Q “暮色”与之前创作的“美术馆”系列的关联是怎样的？
A 艺术评论人鲁明军老师解释我的展览为“夜幕降临”，我翻译成“暮色”，这个系列其实我也是很早之前就画过了，灵感也是来自于我从小到大的对外部空间强烈的感受，我会毫无理由地被打动，深刻地记住了当时的感受。
那是黄昏时分在距离我家很近的一个地方，我看到的景象。是无法用语言形容的一种感受，唯有用绘画完整地表达出来——我描述了窗外的景象，天的颜色是一层一层的，由白色变灰色再变黄，建筑就那样呈直角地矗立在那里。
Q “暮色”的作品中看到很多“画中画”，有点像是电影的画面又有些剧场感受，这是你所追求的吗？
A 两年前有人说我的作品有一种窥视感，很多人在谈论“画中画”的时候，已经隐含了这个问题，他们已经假设自身与图像是分离的，观看者隐藏在画面之外，像是潜台词“我已经在画面的外面，我们此刻可以去谈论画中的世界”，而画中可能又存在另外的窗口。我创造了地面、墙面，墙面中间呈现一个图像，仿佛你无论在任何的地方，只要你的视觉可以接触到画面，就会产生一种场景现象，让你意识到仿佛有一个中转场景存在。
2007 年我就开始创作美术馆系列了，我设计了一个套间，在其中造出一个场景，创造出透视关系，墙面、地面的关系营造出一种在场感。非常具体，不像是马蒂斯绘画他的工作室那样，不是一个抽象的环境。非常真实，所处的场景带给人一种逼真感，我们眼睛就有点像是“偷窥”的两个洞，意识躲在你的身体里向外窥视。我已经把偷窥的洞都给你挖好了，你只需要看就可以了。
Q 美术馆是你多年以来的主题，这一直以来的脉络是怎样的？现在你是否在美术馆中还能够找寻到这种满足感。
A 我们对空间的判断是通过一些空间上的气息、一些 掩盖不了的东西决定的。就像有些地方可能很华丽、干净，挑不出任何问题，但人在里面非常痛苦；相反有些空间可能杂乱无章，甚至不是常规意义上宜居的空间，但反而会让人感觉到放松。
我记得小时候家门口有两条路。往左边走，是天人合一的感受，往右边走则有一种地狱般的体验。这是由无数细节组成的两种截然不同的气氛，所以说空间就是人心中的镜子。
我把“美术馆”看成为一个永远不会结束的，没有边际的地方。很多地方场所、空间都承载着不同的功能性，银行、商场、学校..每个地方都会带有自身的功能性的一些属性，“美术馆”作为一个专门让人进去观看的地方，最直接的目的就是让人可以相对放松、舒适地去观看。
当代艺术馆更注重跟建筑本身的关系，会强调空间的纯粹性，尽量撤掉所有空间本身的语言，去掉很多杂音——消防、地砖、墙面的选择，在美术馆里面这些元素都被很好地照顾了，事先规避掉了很多对观看的干扰。
Q 你的作品有点像雕塑，拥有“空间占有”的特质，你是否考量过作品离开工作室到了展览空间中的变化？
A 雕塑是固体，空间被雕塑占据，人的身体是穿不过去的。但有时候，你点外卖，你会一层一层地表达出你所在的位置，在某一条街上的某一栋楼的某一个房间中，这个过程其实是在描述一个固体的东西。随着我们立足点每天的变化，我们是把自己周围的环境当做一个实在的东西去处理的，其实也是“固体”。“暮色”展览封面的那张作品是两个雕塑矗立在一个窗口的两边，我喜欢加入这些元素，但我也不知道为什么就对身体的雕塑充满兴趣。虽然雕塑和实际的人体有着触感的本质上的不同，雕塑研究的是如何用坚硬的东西塑造成柔软的东西。人体有点像是被曲线分割出来的空间，我们的躯壳上面是没有一条直线的，整个身体是由可以不停变形的柔软的曲线构成，结果就是这样的身体创造出了由直线构成空间。
Q 你自己对空间的要求是什么样的？
A 我更喜欢工作室中心位置的创作区域，是整个工作室中最宽阔的地方，在那里顿时感觉到空气流通了。与人交流的时候在私密的空间会感到放松；如果是打电话，面对的不是真实的场景，有点像是自言自语，反而对空间的体量开始有要求。所以舒适的空间需要有通道，且通道不止一个，好像是马路 的交叉路口，让我可以坐下，可以表达。我发出的声音会有一些抽象的回音，潜意识的声音反射回来让我产生思考。但若是写作，我可能会选择一个小空间，聚焦在我的电脑区域之内，可能只有一张白纸，但这个狭小的空间这时候便是无限的。所以在什么样的空间中会感觉舒适，这完全取决于我当下要做什么。
Q 在三幅《在美术馆》系列中，描绘了三幅“窗外的黄昏”，也有作品是描绘户外的景致，你是怎么从室内走到了室外的？
A 户外对我来说跟室内是没什么特别大的区别的，受重力的影响人的双脚是脱离不了地面的。“外面”跟“里面”无非是装修材料的不同，本质上是一样的东西，它就像两套衣服一样。户外可能更没有边界一点，多了一些可以探索的地方，它又是可以延伸的，不停地延伸出去没有尽头，可能会给人带来特别大的“外面”。窗口让整个空间流动起来，挂在墙上的画、除了地面之外看到的一切东西，都被包容到窗口当中。就像是一个水面或者空气，是转换的地方，我提供了这个窗口，具体窗口内和外是怎么样去划分，由观众去界定。我希望可以提醒观众，每一个人的内心始终都存在这样的窗口，就像是“窥视”的眼睛。
Q 绘画这件事情会给你带来满足感吗？描绘建筑材料的过程会不会觉得乏味？
A 这是满足感最大的一件事。描绘的空间过程非常像装修，甲方、乙方、包工头、装修工人都是我一个人，我分别把这几人的角色扮演了一遍。我的小稿做得特别完善，创作的灵感、艺术当中最自由的部分，创造性的工作都在这部分。我把能预见到的风险给计划好，所以绘画的过程我就像是装修工人，画地板的时候就像在铺地板，画窗户的时候就像在糊窗户，画墙面就真的是在磨墙面，我不再去寻找，获得了一种放下的自由。就像是坐车一样，已知目的地，只需要把这段路程走完。
文 张娜
编辑韩哈哈
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