每日短讯：梵高：我的心里有一团火，靠近我冬天很暖和！
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你见过这幅画吗？
▲《星夜》文森特·梵高 1888
(资料图片)
应该能看出，图里有一个巨大的湖泊，右下角有两个人。
但也就这样了，没有更多感受了。
其实，这幅画，我们应该都见过。
这是梵高《罗纳河上的星夜》的草图之一，在草图之后，呈现给我们的画作是这样的。
画面沉浸在一种冷蓝色的氛围里，所有星星像是即将倾倒的烟火，画里的世界静谧，孤独，但也充满诗意。
▲《罗纳河上的星夜》文森特·梵高 1888
比起草图，这幅画似乎只是多了颜色，有了空间感。
但对于每个观者而言，多的又不止是这些。
颜色对于梵高来说大概是点睛之笔，没有颜色，梵高的画就活不起来；没有颜色，我们就触及不到梵高的内心世界。
那么，梵高是怎么从草图画到能把色彩“玩弄”于股掌之间的呢？
这跟他个人很有关系。
他就像是生来就怀揣了一团烈火，初入职场的时候，就迫切地想投入自己的满腔热血。
▲《马格罗斯家族》文森特·梵高 1879
20几岁的梵高就跟刚毕业的大学生一样，想找到一份适合自己的、值得为之献身的工作，他也尝试了很多，当过艺术销售、老师，在书店工作过。
可他总觉得，这些工作都不对，他希望自己在工作的时候能带着更多的正气和善意。
于是他决定延续家里父辈的职业，去到比利时南部的矿区传教，当一个牧师。
牧师其实不怎么好当，要熟悉矿区，要 开设讲座，时不时还要看护病人，更不用说梵高去的那个地方环境还非常恶劣。
但梵高这个人体质就很神奇，他似乎从来不会对糟糕的环境水土不服，适应得很快，梵高甚至觉得那个地方“令人遐想与富有吸引力”。
▲《黎明时雪中的矿工》文森特·梵高 1880
可惜好景不长，梵高没多久就因为太过热情被教会解雇了。
你没看错，“太过热情”。
当时的梵高和矿工关系太好了，跟他们谈天说地，还会给他们画素描。
教会觉得，这样没有距离感的梵高怎么能引导人们走向上帝呢？
梵高心里的火被一盆冷水兜头浇下，不过梵高没有在挫败中沉溺太久，没多久他就决定专心搞艺术，成为一个画家。
这一年，梵高27岁。
我们知道梵高短暂的一生里，为我们留下了1900多幅画作，800多封和弟弟提奥的书信，他几乎什么事都跟弟弟说。
很难想象一个在后世人眼里这么伟大的画家，寄给弟弟的信里都是一些琐碎的生活片段：在学习德拉克罗瓦的笔触、有一条林荫道好好看、今天穿着蓝色衣服去写生了……
▲《去往塔拉斯孔路上的画家》文森特·梵高 1888
一直到他人生进入倒计时的1889年，梵高正被精神疾病折磨着，但他告诉弟弟， 能给他力量的，是自然，是土块、草地、谷物和农民。
“一旦我能够想的时候，你知道我所想的是什么吗？对你说来，等待你的将是一个家庭，对我来说则是大自然，是土块、草地、黄色的谷物、农民；这就是说，从对普通人的爱之中，不仅找到某种可供画画的东西，而且在必要的时候，给自己以安慰并恢复元气。”
——文森特·梵高
即使到生命最后一刻，梵高最开始决定画画的初心依然没有任何改变，他还是带着正气和善意，看待整个世界。
这也让他笔下的画和他的热烈一脉相承起来。
梵高说，“我梦见了画，然后画下了梦。”
他像一个造梦人，把自己的梦境，自己的心情都塞进画里，用最纯粹的色彩去完成每幅画。
梵高是著名的 “颜料不调主义”，颜色从颜料管挤出来，直接涂抹到画布上，不经过任何调和，呈现出来的颜色饱和度很高。
梵高认为，只有这种灿烂的、平涂的、未经调和的颜色才能画出自己想要的纯粹感。
▲《圣保罗医院的花园（局部）》文森特·梵高 1889
这是绘画的“真实”，通过这种“真实”也才能表现心灵的“诚实”。
于是我们看到了热烈绽放的一系列《向日葵》。
它们有时候只有三朵，有时是挤挤挨挨的十二朵，唯一不变的是那抹黄色始终鲜艳。
很多人觉得，看到梵高的向日葵，就像看到了太阳。
其实在法语里，向日葵的确有“坠落的太阳”的意思。
在梵高的画里，它们熊熊燃烧着，永远不会凋零，完全张开的花瓣是摇曳的火星，一路烧进人的心里。
▲ 左右滑动查看梵高的《向日葵》系列
而另一幅同样出名的《星月夜》呢，和向日葵一样，有最热烈的主角和最深沉的背景，剧烈对抗的蓝色和黄色，共同构成了旋转奔涌的夜空。
夜空是扭曲的，丝柏树是扭曲的，远处的山也是扭曲的，村庄里的人都安睡在夜里，自然界却在进行一场不为人知的狂欢。
▲《星月夜》文森特·梵高 1889
我们都知道，梵高画过很多自画像，但谁说向日葵和星月夜不是他的自画像呢？
热烈的，纯粹的，孤独的，装满了磅礴的生命力。
大部分说法认为，梵高人生里留下的最后一幅画是《麦田群鸦》，乌鸦揉进阴暗的天空里，看不到天空和麦田的尽头，但我们却能在上帝视角看到，梵高的生命，在那时已经快要走向尽头。
尽管画面已经如此压抑，梵高却还用了一半的画幅，给了我们一大片金黄色的麦田。
▲《麦田群鸦》文森特·梵高 1890
这片麦田仿佛隐喻着梵高的人生，燃烧至最后一刻，也还能让一个多世纪后的我们，感受到他留下的余热。
这几年看到很多报道，梵高画里令人惊艳的黄色、红色正在慢慢暗淡，尽管一直在加强保护措施，但还是没能跑过时间。
艺术品保护科学家FrancescaCasadio说：“没想到，连颜色也背叛了梵高。”
但我觉得，只要你感受过梵高的热烈，你就很难忘记。
同时值得庆幸的是，梵高在去世后声名大噪，他的作品都被妥善整理，他的精神世界也终于有人触及 。
我们时常看见梵高的画作，记住他留存的作品，同样是记住梵高的一种方式。
如果说梵高用佳作在世人的记忆深处留下了一抹色彩，那么五菱凯捷就是在用佳座回应用户心底对车的本质需求。
这次，五菱选择了梵高，在他们的新款车型——凯捷混动铂金版上，延续了梵高的纯粹。
我们需要一辆车的时候，需要的是什么呢？
也许是希望它能满足全家出行，也许是希望它出行快捷，也许是希望它坐起来有舒服的体验……
我想，这是我们对车最原始的要求，也是五菱努力的方向。
那么又为什么是梵高，不是其他艺术家呢？
既是出于重现梵高、记住梵高的想法。
也是出于自己和梵高共有的大众性：
我们都知道很多人刚接触艺术时，最先认识的就是梵高，哪怕你还没听过印象派，但一定先知道梵高。他在艺术界绝对称得上“家喻户晓”。
而五菱作为一个国民品牌，知名度非常高，他们迈的每一步，都是在为更加走进大众生活而努力。
艺术和美都应该属于大众，五菱也希望承载这种美，放到大众面前。
五菱为了致敬梵高，还特地举办了一场 “梵高再现×五菱凯捷混动铂金版 佳作·印象 艺术特展”，把车开到了梵高的画展上。
除了大众性之外，凯捷和梵高也在艺术空间上有极强的契合度。
在这场展上，你可以坐着欣赏梵高的画，可以看到梵高的《星月夜》缓慢流动在车身上，可以共鸣梵高的纯粹与孤独，车身好像成为了梵高的立体画布，二者融为一体。
这场展上，也是五菱凯捷混动铂金版的首次亮相，这款车最值得说道的，还是车里的 空间艺术和spa级大四座。
如果说梵高是“画作艺术”的佳作，那么凯捷就是“空间艺术”的佳座。
车里原本有六个座位，但只要最后一排放平收纳起来，前座就可以扩展开来，变成能180°放倒的大四座，再加上符合人体工学设计的纯手工绗缝工艺座，真正做到“躺平”，说是SPA级，一点都不夸张。
这个座位乍一看就像个按摩椅，其实实际上它带来的体验感也跟按摩椅差不多。
可以调节椅背、腰托、腿托到一个最佳坐姿，甚至驾驶座还能加热，唯一的担心可能是开车太舒服会睡着（开个玩笑，请勿疲劳驾驶）……
这款五菱的旗舰车型——五菱凯捷混动铂金版，搭载了五菱的混动技术，不仅响应快，油耗还低。它是集合了五菱的精美工艺、超高配置、先进技术打造的一件高品质“艺术品”。
除了在画展上致敬梵高的画作之外，凯捷的车座内饰以梵高的代表元素命名，星月蓝白&麦田金棕，而外观另有两种限定色，翡冷翠紫&极地冰蓝色，一个小细节是，近看能看到车身显示细闪的彩色铝粉，像是坠落的星空。
我想，这同样是对梵高的呼应吧。
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其实无论是待在博物馆里的梵高的真迹，还是五菱的这场艺术特展，都会让我想起梵高说过的一段话：
“当我画一个太阳，我希望人们能感觉到它在以惊人的速度旋转，正发出骇人的光热巨浪。
当我画一片麦田，我希望人们能感觉到麦子正朝着它们最后的成熟和绽放努力。
当我画一个苹果树，我希望人们能感觉到苹果里面的苹果汁正把苹果皮撑开，果核中的种子正在为结出果实奋进。
当我画一个男人，我就要画出他滔滔的一生。
如果生活中不再有某种无限的、深刻的、真实的东西，我将不再眷恋人间。”
——文森特·梵高
我相信梵高把想画的太阳、麦田和苹果树都画出来了，但我觉得，他没把他自己“滔滔的一生”画完。
因为他那37年的人生，无限延展到了今天。
他依然在散发光热，依然在成熟和绽放，依然在奋进。
关于文森特·梵高的一切实在太难说完，就再引用一句加歇医生的话来结束吧：
“他的爱，他的天才，他所创造的伟大的美，永远存在，丰富着我们的世界。”
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